A Arte do Ruído: Filosofia e Objetivos por Trás da Música Noise

A música noise, também conhecida como “arte do ruído”, é um gênero musical que desafia as convenções tradicionais ao utilizar sons como ruídos, distorções, estáticas e feedbacks para criar experiências sonoras únicas.  

Com uma proposta experimental, não convencional, que muitas vezes gera desconforto e irritação aos ouvintes  

Com raízes no futurismo italiano e influências de movimentos como o dadaísmo e o Fluxus, a música noise tem evoluído ao longo do século XX e XXI, abrindo espaço para subgêneros como noise rock, industrial, Japanoise e muitos outros. Ao longo deste texto, discutiremos sua história, filosofia, objetivos e subgêneros, além de apresentar exemplos de bandas que moldaram e continuarão a moldar este fascinante universo sonoro. 

História da Música Noise – A Arte do Ruído

As Origens no Futurismo Italiano 

A música noise tem origem no início do século XX, com o movimento futurista italiano.  

Em 1913, Luigi Russolo publicou o manifesto “A Arte dos Ruídos”, defendendo que os ruídos industriais e cotidianos, como sirenes, máquinas e ruídos urbanos, deveriam ser considerados música. Russolo acreditava que a música tradicional havia se tornado obsoleta e criou os “Intonarumori”, instrumentos que produziam ruídos, marcando o início de uma nova abordagem da música.  

Os concertos, realizados em cidades como Milão, provocaram reações intensas, desde o fascínio até a repulsa, estabelecendo o ruído como uma forma de arte disruptiva. 

Influências do Dadaísmo e da Música Concreta 

Na década de 1910, o movimento Dada contribuiu para a estética do ruído com performances como a “Antissinfonia” de 1919, em Berlim, que incluía buzinas, assobios e outros ruídos urbanos, desafiando as noções tradicionais de harmonia.  

Na década de 1920, o compositor francês Edgard Varèse incorporou ruídos em suas composições, como Amériques e Ionisation , questionando: “O que é a música senão ruídos organizados?” Ele concebeu a música em termos de “massas sonoras”, influenciando gerações futuras. 

Em 1948, Pierre Schaeffer modificou a música concreta com seus Cinq études de bruits (Cinco Estudos de Ruídos), utilizando gravações de ruídos reais, como trens e objetos, manipulados para criar composições. Essa abordagem abriu novas possibilidades para o uso de ruídos na música. 

A Década de 1960 e o Movimento Fluxus 

Na década de 1960, o movimento Fluxus trouxe uma nova onda de experimentação sonora.  

Artistas como Joe Jones, Yasunao Tone, Nam June Paik e Yoko Ono exploraram sons não convencionais em performances que misturavam música, arte visual e teatro. 

Nesse período, bandas como a Nihilist Spasm Band, formada em 1965 em Ontário, Canadá, usavam instrumentos caseiros para criar ruídos caóticos, enquanto o Theatre of Eternal Music, produzido por La Monte Young, experimentava com ruídos e sons prolongados. 

A Emergência do Industrial e do Noise Rock 

Na década de 1970, a música noise começou a se consolidar com o surgimento da música industrial.  

Bandas como Throbbing Gristle e Cabaret Voltaire incorporaram sons de máquinas, gravações de campo e eletrônicos, criando atmosferas sombrias e opressivas.  

The Velvet Underground, com faixas como “White Light/White Heat” (1968), e The Mothers of Invention, com Freak Out! (1966), também influenciaram o gênero ao misturar experimentação com rock. 

Nos anos 1980, o noise rock ganhou destaque nos EUA com bandas como Sonic Youth, Swans e Big Black.  

Sonic Youth, com álbuns como Daydream Nation (1988), combinava guitarras distorcidas com estruturas de rock alternativo, enquanto Swans explorava intensidade emocional em Filth (1983). The Jesus Lizard e Shellac também desenvolveram sons abrasivos e ritmos pesados. 

O Auge do Japanoise 

No Japão, a década de 1980 marcou o surgimento do Japanoise , uma cena vibrante composta por artistas como Merzbow (Masami Akita), Hijokaidan e Boredoms . 

Merzbow, inspirado pelo dadaísta Kurt Schwitters, criou álbuns como Pulse Demon (1996), com camadas densas de ruído. Outros artistas, como Incapacitants , KK Null e Masonna , levaram o ruído aos extremos, rejeitando formas tradicionais e focando em intensidade sensorial. 

O Noise no Século XXI 

No século XXI, o noise continua a evoluir, com subgêneros como harsh noise wall  ganhando popularidade.  

Artistas como Tim Hecker , Kevin Drumm e Oneohtrix Point Never exploram a interseção entre noise e música eletrônica experimental.  

No Brasil, festivais como Novas Frequências promovem o gênero, conectando artistas locais e internacionais. 

Outras bandas e artistas históricos incluem: 

• Einstürzende Neubauten: Banda alemã fundada em 1980, usavam objetos industriais como instrumentos, com álbuns como Haus der Lüge (1988). 

• Nurse with Wound: Criada pelo músico britânico Steven Stapleton, em 1978. Conhecidos por colagens sonoras experimentais. 

• Whitehouse: Banda inglesa de 1980, considerados pioneiros da Power Eletronic, com sons agressivos e letras provocativas. 

• Lou Reed: Músico e compositor americano, fundador da banda The Velvet Underground juntamente com Andy Warhol, seu álbum Metal Machine Music (1975) é um marco do noise. 

Filosofia da Música Noise 

Questionando o Conceito de Música 

A filosofia da música noise está centrada em desafiar o que é considerado “música”. 

Ao priorizar texturas, dissonâncias e ruídos atonais, o ruído questiona noções tradicionais de beleza sonora, propondo que o caos e a imperfeição podem também ser considerados artísticos.  

Essa abordagem está ligada a movimentos como o dadaísmo, que celebrava a ruptura com as convenções, e o futurismo, que via na tecnologia uma nova forma de expressão. 

Perspectivas Filosóficas 

Paul Hegarty, em Noise/Music: A History, discute o ruído como “intrusivo, indesejado” e “ameaçando o vazio”. Ele destaca a obra de John Cage, 4’33”, que consiste em silêncio e sons ambientais, como um marco na música noise, pois força o ouvinte a reconsiderar a distinção entre som prejudicial e ruído indesejado. 

Jacques Attali, em Noise: The Political Economy of Music, argumenta que o ruído é pré-figurativo de transformações sociais, representando o subconsciente da sociedade. Ele sugere que o ruído é uma forma de resistência contra a ordem estabelecida, capaz de prever mudanças culturais e políticas. 

Outros pensadores, como Theodor Adorno e Georges Bataille, também exploraram o ruído em relação à música e à sociedade. Adorno via o ruído como uma crítica à comercialização da música, enquanto Bataille associava-o ao conceito de “informar”, uma exclusão de estruturas normalizadas. 

Objetivos da Música Noise 

Expressão Emocional 

Um dos principais objetivos da música noise é a expressão de emoções intensas. 

Artistas como Prurient usam o noise para explorar temas introspectivos, como vulnerabilidade e angústia, criando uma conexão emocional com o ouvinte. Por exemplo, o álbum Frozen Niagara Falls (2015) combina ruídos abrasivos com momentos de introspecção, evocando estados emocionais complexos. 

Crítica Social 

O ruído muitas vezes serve como uma forma de crítica social, abordando temas como violência, alienação e opressão.  

Bandas como Whitehouse e Genocide Organ , do subgênero Power Electronics, usam letras provocativas e sons agressivos para confrontar questões sociais.  

Birthdeath Experience (1980), de Whitehouse, é um exemplo de como o ruído pode ser usado para chocar e provocar reflexão. 

Inovação Sonora 

A música noise busca expandir os limites do som, experimentando com novas técnicas e tecnologias.  

Artistas como Merzbow e Kevin Drumm utilizam sintetizadores modulares, softwares como Max/MSP e gravações de campo para criar paisagens sonoras inovadoras. Sheer Hellish Miasma (2001), de Drumm, é um exemplo de experimentação com sintetizadores e texturas eletrônicas. 

Desafio às Normas Musicais 

O ruído desafia as normas musicais tradicionais, questionando o que é considerado música.  

Obras como 4’33” de John Cage e Metal Machine Music de Lou Reed forçaram os ouvintes a compensar suas expectativas sobre o que constitui uma composição musical. Esse desafio é central para a filosofia do ruído, que valoriza a liberdade criativa acima de tudo. 

Exploração Sensorial 

O ruído também é usado para criar experiências sensoriais intensas, muitas vezes físicas.  

Bandas como Sunn O))) utilizam volumes extremamente altos e drones para imergir os ouvintes em uma experiência quase tátil. O álbum Monoliths & Dimensions (2009) combina sintetizadores com elementos orquestrais, criando uma sensação de transcendência. 

Subgêneros da Música Noise 

A música noise abrange uma ampla gama de subgêneros, cada um com características e objetivos distintos. Abaixo, apresentamos os principais subgêneros referenciais, com exemplos de bandas e artistas que os representam. 

Noise Rock 

O noise rock combina elementos de noise com estruturas de rock, frequentemente utilizando guitarras distorcidas e ritmos pesados. É um dos subgêneros mais acessíveis do noise, influenciado pelo punk e pelo rock alternativo. 

• Sonic Youth: Daydream Nation (1988) é um marco do noise rock, com guitarras dissonantes e letras poéticas. 

• Swans : Filth (1983) explora intensidade emocional com filhos abrasivos. 

• Big Black: Atomizer (1986) combina ritmos mecânicos com distorções. 

• The Jesus Lizard: Goat (1991) é conhecido por sua energia crua. 

• Shellac: At Action Park (1994) apresenta isolamento rítmico e texturas sonoras. 

Industrial 

A música industrial usa sons industriais e eletrônicos para criar atmosferas sombrias e opressivas, frequentemente com temas de alienação e crítica social. 

• Throbbing Gristle: 20 Jazz Funk Greats (1979) mistura eletrônica com ruídos industriais. 

• Cabaret Voltaire: Red Mecca (1981) explora texturas eletrônicas. 

• Nine Inch Nails: The Downward Spiral (1994) popularizou o industrial. 

• Ministry: Psalm 69 (1992) combina industrial com metal. 

• Rammstein: Herzeleid (1995) incorpora elementos industriais com provocação. 

Power Eletronic 

O Power Eletronic é um subgênero extremo que foca em temas controversos, com sons agressivos e vocais distorcidos. 

• Whitehouse : Birthdeath Experience (1980) é um marco do gênero. 

• Ramleh: Hole in the Heart (1987) mistura ruído com psicodelia. 

• Sutcliffe Jügend: We Spit on Their Graves (1982) é conhecido por sua intensidade. 

• NON (Boyd Rice): Easy Listening for Iron Youth (1991) explora ruídos provocativos. 

Japanoise 

O Japanoise é caracterizado por seu minimalismo e uso de formas tradicionais, com foco em intensidade sensorial. 

• Merzbow : Pulse Demon (1996) é um clássico do Hard Noise Wall. 

• Hijokaidan: Zouroku no Kibyou (1982) combina improvisação com ruídos extremos. 

• Incapacitants : Feedback de NMS (1991) explora feedback intenso. 

• KK Null : Atomik Disorder (1997) mistura ruído com eletrônica. 

• Masonna : Frequency LSD (1998) é conhecido por performances viscerais. 

Hard Noise Wall 

O Hard Noise Wall consiste em paredes de ruído contínuo e intenso, sem variação ou melodia, criando uma experiência imersiva. 

• Incapacitants : As Loud as Possible (1995) é um exemplo extremo. 

• Vomir Suprême : Rien (2008) foca em ruído estático. 

• Lasse Marhaug : The Shape of Rock to Come (2004) explora texturas densas. 

• The Rita: Thousands of Dead Gods (2006) combina ruído com temas conceituais. 

• Government Alpha: Venomous Cumulus Cloud (2000) é intensamente abrasivo. 

Drone Synths 

O Drone Synths usa sintetizadores para criar sons atmosféricos e hipnóticos, frequentemente com um tom meditativo. 

• Tim Hecker : Ravedeath, 1972 (2011) combina ruído com ambiente. 

• Kevin Drumm : Sheer Hellish Miasma (2001) explora drones eletrônicos. 

• Stars of the Lid : And Their Refinement of the Decline (2007) cria paisagens sonoras. 

• Ben Frost : By the Throat (2009) mistura drones com intensidade emocional. 

Noise Pop 

O Noise Pop mistura elementos de noise com melodias pop, criando sons acessíveis com distorções. 

• Jesus and Mary Chain: Psychocandy (1985) é um marco do gênero. 

• My Bloody Valentine: Isn’t Anything (1988) combina ruído com pop. 

• Yo La Tengo : Painful (1993) explora texturas noise em canções pop. 

• A Place to Bury Strangers: Exploding Head (2009) mistura ruído com psicodelia. 

• No Age: Nouns (2008) combina noise com energia punk. 

Shoegaze 

O shoegaze usa camadas de feedback e variações para criar atmosferas etéreas e introspectivas. 

• My Bloody Valentine: Loveless (1991) é um clássico do gênero. 

• Slowdive : Souvlaki (1993) explora texturas sonoras delicadas. 

• Ride: Nowhere (1990) combina noise com melodias pop. 

• Cocteau Twins : Treasure (1984) mistura shoegaze com dream pop. 

• Lush: Spooky (1992) explora camadas de feedback etéreo. 

Estudos de Caso 

Merzbow – Pulse Demon 

O álbum Pulse Demon (1996) de Merzbow é um marco do hard noise wall, com camadas densas de ruído que desafiam a percepção auditiva. Ele reflete o objetivo de inovação sonora, usando sintetizadores e gravações manipuladas para criar uma experiência sensorial intensa. 

My Bloody Valentine – Loveless 

Loveless (1991), de My Bloody Valentine, é um exemplo de shoegaze que combina ruído com beleza etérea. O álbum explora estados emocionais através de camadas de feedback e vocais suaves, demonstrando como o ruído pode ser usado para criar atmosferas introspectivas. 

Whitehouse – Birthdeath 

Birthdeath Experience (1980), de Whitehouse, é um exemplo de eletrônica de potência que usa ruídos agressivos e letras provocativas para criticar a sociedade. O álbum reflete o objetivo de crítica social, desafiando normas culturais e éticas. 

Conclusão 

A música noise é mais do que um gênero musical; é uma exploração filosófica e artística que desafia normas e expande os limites do som.  

Desde suas raízes no futurismo italiano até as cenas contemporâneas, o ruído tem servido como um veículo para expressão emocional, crítica social e inovação sonora. 

Com subgêneros como noise rock, industrial, Japanoise e shoegaze, o gênero oferece uma ampla gama de experiências sonoras, representadas por bandas como Sonic Youth, Merzbow, Throbbing Gristle e My Bloody Valentine.  

A música noise nos convida a ouvir de maneira diferente, a questionar nossas percepções e a abraçar o caos como uma forma de beleza. 

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